Robert Schumann: Violinkonzert d-Moll

Schumanns Violinkonzert hat eine erstaunliche, ja unglückliche Rezeptionsgeschichte. Schumann schrieb es 1853 in Düsseldorf für den Geigenvirtuosen Joseph Joachim. Während sich schon Jahre zuvor gesundheitliche Probleme physischer und psychischer Art bemerkbar gemacht hatten, wurde er von seiner Begegnung mit dem jungen Johannes Brahms, von dem er sehr angetan war, beflügelt. Zu einer öffentlichen Aufführung des Violinkonzertes kam es durch äussere Umstände sowie Schumanns Suizidversuch im Februar 1854 und seine darauffolgende Einlieferung in eine psychiatrische Klinik nicht, und Clara wollte offenbar während der Krankheit ihres Mannes keine Werke veröffentlichen, die von ihm nicht ausdrücklich zur Publikation angeboten oder schon aufgeführt worden waren, weshalb es der Öffentlichkeit vorerst vorenthalten wurde. Scheinen Clara und Joachim dem Werk anfangs noch sehr zugetan gewesen zu sein, äusserten sie nach Schumanns Tod Einwände, mit denen sie die Nicht-Veröffentlichung begründeten: technische Schwierigkeiten und «Makel» insbesondere im dritten Satz und später, in Übereinstimmung mit der gängigen Meinung, dass Schumanns Spätwerk seine Geisteskrankheit widerspiegle, eine Diskrepanz zwischen spieltechnischem Anspruch und musikalischem Gehalt.

Erst 84 Jahre nach der Entstehung kam es 1937 anlässlich einer NS-Feier im Deutschen Opernhaus Berlin mit den Berliner Philharmonikern, Karl Böhm und dem Solisten Georg Kuhlenkampff mit einer stark bearbeiteten Solo-Stimme zur Uraufführung, und obschon sich in den Folgejahren zahlreiche berühmte Geiger für das Werk einsetzten, wurde es erst nach 1970 allmählich rehabilitiert und in seiner originalen Gestalt betrachtet und akzeptiert.

Der Kopfsatz beginnt mit einer langen Orchesterexposition, in der die beiden Hauptthemen vorgestellt werden, und die eine gewisse Ähnlichkeit mit derjenigen aus Kreutzers Violinkonzert Nr. 19, ebenfalls in d-Moll, zeigt. Die Solovioline setzt danach mit dem ersten Thema ein, das nun die tonale Grundstruktur A-F-E hat – drei Töne, von denen Schumann fasziniert gewesen zu sein scheint und die auch im Intermezzo der berühmten F-A-E-Sonate («Frei aber einsam») Eingang gefunden haben. Solostimme und Orchester stehen sich überwiegend blockhaft gegenüber, und der Satz zeichnet sich durch reiche Harmonik und weit gespannte Entwicklungen aus. Kurios ist, dass es vor der Coda keinerlei Hinweise auf eine Kadenz gibt, wie es sonst in Solokonzerten üblich ist. Ob das Absicht war, oder ob Schumann und Joachim schlicht nie Gelegenheit hatten, darüber zu sprechen, ist unklar. Am heutigen Konzert wird jedoch eine Kadenz gespielt, die vom Schweizer Geiger und Musikpädagogen Hansheinz Schneeberger komponiert wurde.

Im zweiten Satz intonieren zunächst die Celli ein zartes, synkopiertes Thema, bevor die Violine mit dem lyrischen Solo-Thema hinzukommt. Gerne wird auf die Verwandtschaft mit dem sogenannten «Geisterthema» verwiesen, das, wie Schumann meinte, Mendelssohns und Schuberts Geister ihm diktiert hätten. Anders als im ersten Satz wechseln sich die Solostimme und das Orchester in der melodischen Führung mehrfach ab; der Satz leitet mit einem Accelerando attacca in den tanzartigen letzten Satz.

Dessen Charakter ist eine langsame, kraftvolle Polonaise, «wie wenn Kociusko mit Sobiesky [zwei stattliche polnische Politiker höchsten Grades] eine Polonaise eröffneten», wie Joachim 1854 in einem Brief an Schumann schrieb.

Das einfache Anfangsthema hat jedoch zahlreiche frühe Solisten dazu verleitet, das angegebene Tempo (Viertel = 63!) zu ignorieren und den Satz schneller zu spielen – woraus wohl die oft bemängelte «Unspielbarkeit» resultierte.

Sabine Hebeisen

Ludwig van Beethoven: Sinfonie Nr. 2 D-Dur

Die Zeit zwischen 1800 und 1802 war für Beethoven durchzogen: Einerseits befand er sich in einer finanziell stabilen Lage und genoss wachsendes Ansehen in und über Wien hinaus, andererseits musste er realisieren, dass sein schon länger andauernder Hörverlust mit grösster Wahrscheinlichkeit unheilbar sein würde. Seiner Verzweiflung über die fortschreitende Taubheit verlieh Beethoven im Oktober 1802 im «Heiligenstädter Testament» Ausdruck, mit dem die Entstehung der Zweiten Sinfonie gerne in Verbindung gebracht wird, obschon die Arbeit am Werk bereits im Frühling desselben Jahres abgeschlossen gewesen sein dürfte, da Beethoven die Uraufführung im April geplant hatte – letztendlich fand sie ein Jahr später, am 5. April 1803 im Theater an der Wien statt.

Der erste Satz beginnt wie in der Ersten Sinfonie mit einer langsamen Einleitung, angestossen von einem Unisono des ganzen Orchesters. Klangfarbliche und dynamische Kontraste, der Konflikt zwischen Dur und Moll und eine tonale Spannung über einem Orgelpunkt prägen sie, bevor Celli und Bratschen das erste, lebhafte Thema des Allegro vorstellen; später präsentieren Klarinetten, Fagotte und Hörner das zweite Thema, das an einen Militärmarsch erinnert.

Der zweite Satz, Larghetto, ist einer von Beethovens längsten langsamen, aber auch sinnlichsten und ausgereiftesten orchestralen Sätzen. Er hat einen solch tiefen Eindruck hinterlassen, dass er für nachfolgende Komponisten zum Massstab des Schönen und Kindlichen in der Musik wurde. Das Thema (hören Sie den «Stern von Bethlehem» heraus?) wird von sonor klingenden Streichern vorgestellt und dann von den Bläsern aufgegriffen; die Durchführung überrascht mit einem gewaltigen Höhepunkt, bevor die Reprise das pastoral anmutende Thema wiederholt.

Der dritte Satz trägt zum ersten Mal die Bezeichnung Scherzo statt Menuett und nimmt den Schwung des ersten Satzes wieder auf. Besonders wirkungsvoll sind in diesem Satz die instrumentalen und dynamischen Kontraste sowie die Betonungen auf unerwartete Takte.

Das Finale, geradezu besessen mit seiner Energie, beginnt mit einem wilden, abrupt endenden Motiv. Die Spannung wird zwar von lyrischen Passagen unterbrochen, zieht sich aber ansonsten über den ganzen Satz hinweg bis in die gewaltige, 250 Takte lange Coda und den beinahe manischen Schluss, den manch ein Zeitgenosse bizarr und unverständlich fand. Lockwood schreibt dazu: «Die Sinfonie überschreitet neue Grenzen und bewegt sich in einem Bereich des dramatischen Ausdrucks, in dem die stärkstmöglichen Kontraste in unerwarteter Unmittelbarkeit auftreten […], die bis zu diesem Zeitpunkt in der Symphonik noch nie zu hören waren.» Trotz aller Kritik und der Tatsache, dass die Zweite oft als Zwischenstation auf dem Weg zur Eroica galt und in deren Schatten stand, gibt es Hinweise darauf, dass ihr Wert als Meilenstein und der entscheidende Bruch mit der Tradition auf dem Weg zu einem neuen sinfonischen Ideal erkannt wurde.

Sabine Hebeisen

Herbst 2023

• Samstag 23. September 19:00 – Basel, Don Bosco
• Sonntag 24. September 17:00 – Riehen, Landgasthof

• Mozart: Sinfonie Nr. 38 in D-Dur «Prager» KV 504
• Elgar: Cellokonzert in e-Moll op. 85
  Solistin: Chiara Enderle Samatanga

Leitung: Manuel Oswald

Frühjahr 2024

• Samstag 16. März 19:00 – Basel, Pauluskirche
• Sonntag 17. März 17:00 – Riehen, Landgasthof

• Beethoven: Egmont Ouvertüre op. 84
• Tschaikowsky: Sinfonie Nr. 5 in e-Moll op. 54

Leitung: Manuel Oswald